이 연구는 메를로-퐁티의 ‘표현’과 ‘스타일’ 개념을 검토해 보는 것을 목적으로 한다. 메를로-퐁티에 의하면 표현은 작가가 지각하는 세계, 타인, 대상과의 만남을 기록하는 것이다. 표현의 주체는 의식이나 정신이 아니라, 세상을 지각하는 예술가의 눈, 화폭에 그리는 손과 제스처 즉 예술가의 몸이다. 표현은 이미 형성된 의미들을 옮길 때 발생하는 것이 아니라 ‘야생적 존재’의 ‘원초적 의미’를 드러낼 때 참된 것이다. 그러므로 ‘원초적 파롤’로서 진정한 표현은 침묵에 가깝다. 또한 표현은 재현과 달리 완성되지 않고, 언제나 미완성으로 남으며, 계속해서 반복된다는 속성을 갖고 있다. 반복되는 표현은 작품에 드러난 스타일과 필연적으로 연관된다. 메를로-퐁티는 <간접적인 언어와 침묵의 목소리>에서 앙드레 말로의 스타일 개념을 변형한다. 앙드레 말로가 말한 것처럼 스타일이 실재를 ‘일관되게 변형’시킴은 맞지만, 말로의 주장과는 달리 스타일은 예술가들의 목적이 아니다. 예술가들의 목표는 자신과 세계와의 접촉을 서술하는 것이다. 스타일은 창조 과정 중에 화가도 모르는 사이 화가의 몸을 통해 스스로 구성하고 표출되는 ‘등가물의 체계’이다. 스타일은 오히려 다른 사람들에 의해 발견되므로 상호주관적인 성격을 갖는다. 관객의 입장에서 예술작품을 경험한다는 것은 예술가의 스타일로 표현된 세계를 관객이 알아보는 것이다. 메를로 퐁티가 이야기한 ‘원초적 파롤’을 우리는 아르 브뤼의 표현에서 찾아볼 수 있다. 아르 브뤼 작가들은 창작하고 있다는 것에 대한 자각 없이 틀에 박히지 않은, 자신만의 순수하고 원초적인 표현을 한다. 이들이 창작 과정에서 보이는 이러한 ‘침묵’과 ‘익명성’은 때로는 ‘자폐’ 성향, 비사회적인 ‘소외’ 경향으로 해석되기도 한다. 그러나 뒤뷔페가 강조한 ‘반문화’성보다는 아르 브뤼 작가들이 자신이 지각하는 고유한 방식대로 표현한다는 점, 이러한 원초적인 표현은 그들 스스로 인지할 수 없다는 점에 초점이 맞춰져야 한다. 반드시 예술문화의 전문가가 그들의 작품에서 나타나는 본능, 열정, 변덕, 폭력, 착란 등 원시적인 것을 높게 평가해주는 과정이 필요하다. 그 과정 중에 작가들의 스타일은 상호영향을 주고 받게 된다. 안톤 뮐러의 드로잉에 뒤뷔페가 영향을 받고, 그의 기계 작품에 팅글리가 영감을 받았던 것처럼, 이들의 독창적인 스타일은 하나의 ‘설립’이 되어 다른 작가들의 스타일에 기능하는 것이다.

Cette étude a pour but d’examiner les notions d’expression et de style chez Merleau-Ponty. Selon lui, l’expression est l’enregistrement du contact de l’artiste avec le monde. Le sujet de l’expression n’est pas la conscience ou l’esprit de l’artiste, mais l’œil de l’artiste qui perçoit le monde, ses mains se mouvant sur une toile, c’est-à-dire le corps de l’artiste. L’expression n’apparaît pas dans le sens préexistant, mais elle est véritable quand on la rapproche du ‘sens originaire’ de ‘l’être sauvage’. Donc la véritable expression en tant que ‘parole originaire’ est proche du silence. Aussi l’expression ne s’achève pas à la différence de la représentation, elle reste toujours inachevée, et se répète. L’expression répétitive se rapporte inévitablement au style. Dans “Le langage indirect et les voix du silence”, Merleau-Ponty modifie le concept du style d’André Malraux. Le style se définit comme une ‘déformation cohérente’ de la réalité selon André Malraux qui l’a ainsi définit. Ce n’est pourtant pas l’objectif des artistes, contrairement à l’opinion d’André Malraux. Le but des artistes n’est que la description du contact de l’artiste avec le monde. Le style se compose et se manifeste au cours de la création, à son insu. Etant donné que le style est ressenti par des regards extérieurs, il a une caractéristique intersubjective. Un spectateur qui découvre et qui ressent une œuvre d’art, cela signifie qu’il reconnaît le monde stylisé par l’artiste. Nous pouvons trouver ‘la parole originaire’ dont Merleau-Ponty a parlée, dans l’expression de l’art brut. Les artistes de l’art brut font des propres expressions pures et primaires, sans consience de création. Certains rechercheurs considèrent ces ‘silences’ et ‘anonymies’ comme de ‘l’autisme’ et ‘l’aliénation’. Par contre, nous mettons l’accent non pas sur ‘l’anti-culture’ que Dubuffet a proclamé, mais sur le fait que les artistes de l’art brut s’expriment à leurs manières, et sur le fait qu’ils ne sont pas conscient de leurs propres styles. Ainsi ce cheminement est nécessaire dans ce processus où les spécialistes du domaine artistique et culturelle apprécient l’instinct, la passion, l’aberration, la caprice, ou la violence dans les œuvres de l’art brut. Dans ce processus, les styles des artistes s’influencent les uns et les autres. Les dessins de Heinrich Anton-Müller influencent les œuvres de Dubuffet, et les machines de Müller inspirent Daniel Spoerri et Jean Tinguely. De cette façon le style original de l’art brut devient une ‘institution’ et se façonne au travers des styles des autres artistes. C’est pourquoi le style a non pas ‘l’historicité de mort’, mais ‘l’historicité de vie’.

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